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história da música eletrônica pré-datas do Rock and Roll era por décadas. A maioria de nós são não foram sequer neste planeta quando começou itos Muitas vezes obscuros, mal compreendidos e subestimados desenvolvimento. Hoje, esse “outro mundo” corpo de som qui Começou perto de um século atrás, maio No. junto parecer estranho e único como as novas gerações, aceitou muito do que como mainstream, apontá-lo teve uma estrada esburacada e, na busca de aceitação audiência de massa, . uma lenta

Muitos músicos – os proponentes modernos de música eletrônica – desenvolveu uma paixão por sintetizadores analógicos no final dos anos 1970 e início dos anos 1980 com canções de assinatura como o avanço de Gary Numan, “Are Friends Electric? ‘. Foi nessa época que a tese est devenu dispositivos menores, mais disponível, mais amigável e mais acessível para muitos de nós. Neste artigo vou tentar gravar esta história em capítulos facilmente digeríveis oferecer exemplos e melhor de proponentes modernos de hoje.

Para mim, este foi o início de uma nova época. Para criar música eletrônica, foi sem acompanhamento necessário se ter acesso a uma sala cheia de tecnologia em um estúdio de ouro ao vivo. Até agora, esta foi somente o domínio dos artistas dos gostos de Kraftwerk, cujo arsenal de instrumentos e personalizado engenhocas eletrônicas construído o resto de nós têm-só sonhava poderia, mesmo se pudéssemos entender a logística do seu funcionamento. Dito isto, no momento em que eu estava crescendo nos anos 60 e 70, I, no entanto, têm pouco conhecimento sobre a complexidade do trabalho que tinha definir um padrão nas décadas anteriores a acontecer neste local.

A história da música eletrônica deve muito a Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Stockhausen foi um compositor Avante Garde alemão e uma figura pioneira na música eletrônica da década de 1950 em diante, Influenciar um movimento que acabaria por-ter um impacto poderoso sobre nomes como Kraftwerk, Tangerine Dream, Eno Cérebro, Cabaret Voltaire, Depeche Mode, para não mencionar o trabalho experimental dos Beatles e outros na década de 1960. Seu rosto é visto na capa de “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band”, 1967 Opus mestre dos Beatles. Vamos começar, no entanto, ao viajar um pouco mais Top de volta no tempo.

The Turn of the Century 20

O tempo parou para este stargazer Quando eu originalmente descoberto que la documentada pela primeira vez, exclusivamente eletrônica, shows não eram na década de 1970 ou meta de 1980 em 1920!

O primeiro instrumento puramente eletrônico, o Theremin, qui est Jogado sem toque, foi inventado pelo cientista russo e violoncelista Lev Termen (1896-1993), por volta de 1919.

Em 1924, o Theremin feita estréia itos concerto com a Filarmônica de Leningrado. Os juros gerados pelo theremin atraiu o público a concertos encenados em toda a Europa e Grã-Bretanha. Em 1930, o prestigioso Carnegie Hall, em Nova York, experimentou um desempenho da música clássica usando nada série meta de dez theremins. Assistindo a um número de músicos especializados de jogar esta estranha soando instrumento acenando Suas mãos em volta itos antenas deve-ter-sido tão emocionante, surreal e estranho para uma audiência pré-tech!

Para os interessados, confira as gravações de Theremin virtuoso Clara Rockmore (1911-1998). Lituano nascido Rockmore (Reisenberg) Trabalhou com inventor TIC em Nova York para aperfeiçoar o instrumento Durante TIC primeiros anos e est devenu itos mais aclamados, brilhante e reconnu performer e representante Ao longo de sua vida.

Em retrospecto Clara, foi o primeiro Celebrado ‘estrela’ da genuína música eletrônica. É improvável que você encontrar mais assustadoras, ainda belas apresentações de música clássica no Theremin. Ela é definitivamente uma das minhas favoritas!

Música Eletrônica em Sci-Fi Cinema e Televisão

Infelizmente, e principalmente devido à dificuldade em dominar a habilidade, o futuro do Theremin como era um instrumento musical de curta duração. Eventualmente, ele foi encontrado ninhos em filmes de ficção científica de 1950. 1951 cinema clássico “O Dia em que a Terra Parou”, com uma trilha sonora de O influente compositor da música do filme americano Bernard Hermann (Conhecida por de Alfred Hitchcock “Psicose”, etc.), é rico com um ‘extraterrestre’ registos com dois teremim e –outros dispositivos eletrônicos fundiu com a instrumentação acústica.

Usando a tecnologia de tubo de vácuo oscilador do Theremin, violoncelista francês e telegrafista rádio, Maurice Martenot (1898-1980), o Ondes Martenot começou a desenvolver (em francês, o conhecido como Onda Martenot) em 1928.

Empregando um padrão e familiar qui teclado poderia ser facilmente dominado mais por um músico, instrumento de Martenot sucesso onde o Theremin falhou em ser user-friendly. Na verdade, ele est devenu o primeiro instrumento eletrônico bem sucedido para ser usado por compositores e orquestras do período itos até os dias atuais.

É caracterizado sobre o tema para o 1960 original de série de TV “Star Trek”, e pode ser ouvido é gravações contemporâneas pelos gostos de Radiohead e Brian Ferry.

O expressivo de vários timbres Ondes Martenot, embora monofônico, é o instrumento mais próximo da geração de TIC eu qui Heard Abordagens o som da síntese moderna.

“Planeta Proibido”, lançado em 1956. Foi o primeiro filme de grande estúdio comercial para caracterizar uma trilha sonora eletrônica Exclusivamente para além de … Apresentando Robbie the Robot e do maravilhoso Anne Francis! A pontuação inovador foi produzido pela equipe de marido e esposa Louis e Bebe Barron, que, no final dos anos 1940, estabeleceu o primeiro estúdio de gravação de propriedade privada nos EUA gravação artistas experimentais eletrônicos, como o icônico John Cage (cuja própria Avante Garde trabalho Desafiado si a definição de música!).

Os Barrons são geralmente tendo Creditado para alargar a implementação da música eletrônica no cinema. Um ferro de solda em uma mão, Louis construído circuitos qui ele manipulado para criar uma infinidade de estranho, ‘sobrenatural’ motivos e efeitos para o filme. Uma vez executado, sons tese não poderia ser replicado como o passeio propositadamente sobrecarga, fumaça e queimar para produzir o resultado do som desejado.

Por conseguinte, todos eles foram gravadas em fita e Bebe peneirada através de horas de bobinas editados que foi considerado utilizável tese, então re-manipulado com delay e reverb e criativamente apelidado o produto final usando várias plataformas de fita.

Além deste método laborioso trabalho, sinto-me compelido a incluir Isso que é, sem dúvida, o Televisão assinaturas electrónicas mais duradouras e influentes de sempre: o tema ao longo de corrida 1,963 britânico sci-fi série de aventura “Dr. Who”. Foi a primeira vez que uma série de televisão tem caracterizado tema Unicamente eletrônico. O tema de “Dr. Who” foi criado no lendário BBC Radiophonic Workshop de usar laços de fita e osciladores para testar efeitos run-through, ficha tese para a fita, foram então re-manipulado e editado por Electro Comentários outro pioneiro Delia Derbyshire, interpretando a composição de Ron Grainer.

Como você pode ver, o uso predominante de música eletrônica no vintage Sci-Fi era a principal fonte de percepção geral desta música como sendo branco ‘outro mundo’ e ‘sonoridade alien-ímpar “do público. Este continua a ser o Até caso, pelo menos, 1968, com o lançamento do álbum de sucesso “Switched-On Bach” executados integralmente era Moog sintetizador modular por Walter Carlos (que, com alguns estreitamentos e dobras cirúrgicos, posteriormente est devenu Wendy Carlos).

Ficha O 1970 da música eletrônica expandida com o break-through de bandas como Kraftwerk e Tangerine Dream e, especialmente, a década de 1980 quando se encontrou mais uma aceitação generalizada

meados de 1900. Música Betão

Em desenvolvimento das TIC através de 1900, a música eletrônica Unicamente Foi não se limita a um circuito eletrônico que é branco manipulada para produzir som. Voltar na década de 1940, invenção relativamente nova alemão – reel-to-reel do registrador de fita Desenvolvido na década de 1930 – est devenu o assunto de interesse para um número de compositores Avante Garde europeias, sobretudo a emissora de rádio francesa e compositor Pierre Schaeffer (1910 -1995), que desenvolveu um reparo ele chamou Expirado Betão Musique.

Musique Concrete (que significa “mundo real” existente sons artificiais em oposição às de ouro produzidas por instrumentos musicais acústicos) Envolvido Em termos gerais a união em conjunto de segmentos gravados de fita que contém ‘encontrado’ soa – naturais, ambiental, industrial e humano – e efeitos como tese com delay, reverb, distorção, ou acelerar desaceleração da fita de velocidade (varispeed) Manipulando, revertendo, etc.

Stockhausen concertos efectivamente detidas Utilizando sua música obras concretas como fitas de apoio (por este estágio eletrônico, bem como sons “mundo real” Foram utilizados nas gravações) no topo do qui instrumentos ao vivo seria realizada por jogadores clássicos de responder ao humor e motivações Eles estavam ouvindo!

Música Betão teve um grande impacto não só é Avante Garde e efeitos bibliotecas, objetivo aussi na música contemporânea da década de 1960 e 1970. Obras importantes a serem verificadas ‘uso deste método em faixas inovadores como “os Beatles Tomorrow Never Knows”, “Revolution No. 9” e “Ser para o Benefício de Mr. Kite”, bem como álbuns de Pink Floyd “Umma Gumma “,” Dark Side of the Moon “e de Frank Zappa” Lumpy Gravy “. Todas as fitas usadas cut-ups e fita caseira laços Muitas vezes alimentados ao vivo na mão mixagem.

horas Hoje, este pode ser realizada com simplicidade usando amostragem digital, heróis finalidade de ontem trabalharam, dias e até mesmo semanas para a plena Talvez um pedaço quatro minutos! Para aqueles de nós que são músicos contemporâneos, a compreensão da história da música eletrônica ajuda a apreciar o salto quântico na tecnologia tem tomado no período recente. Tese propósito primeiros inovadores, pioneiros tese – de qui Há muitos mais para baixo da linha – e as principais figuras Eles Influenciado Isso cam antes de nós, criou a base revolucionária que se tornou nossa herança eletrônico musical hoje e por isso eu pagar em homenagem [!19459003]

1950: O primeiro computador e tocar música Synth

Avançando alguns anos até 1957 e introduzir o primeiro computador eletrônico na mistura. Como você pode imaginar, não era exatamente um dispositivo móvel laptop é destinado Consumido sala inteira e amigável não era mesmo um conceito. No entanto as pessoas criativas continuou empurrando as fronteiras. Um deles foi Max Mathews (1926 -) da Bell Telephone Laboratories, New Jersey, que desenvolveu um musical, o programa de música original para todos os computadores em cima do qui síntese digital de Subseqüente baseou a sua raízes. Mathews, apelidado de “Pai da Computer Music ‘, usando um IBM Mainframe digitais, foi o primeiro a sintetizar a música em um computador

No clímax de 1968 o filme de Stanley Kubrick.” 2001: Uma Odisséia no Espaço’, usos é feita de “entrega eletrônica do final de 1800 canção” Daisy Bell “uma Mathews 1961. Aqui é o acompanhamento musical Interpretada por Sua mainframes programada junto com uma tecnologia de ‘cantar’ voz humana sintetizada por computador foi pioneira no início dos anos 60. No filme, como o computador HAL regrediu, ‘ele’ reverte para esta canção, uma homenagem às origens próprias histo ‘.

1957 aussi testemunhou o primeiro sintetizador avançado, a RCA Mk II de som Synthesizer (uma melhoria no original 1955). Ele aussi ano contou com sequenciador de música eletrônica para programar o desempenho da reprodução. Este enorme RCA Synth foi instalado, e continua a ser, na Columbia-Princeton eletrônicos Music Center, Nova York, onde o lendário Robert Moog Trabalhou por um tempo. Universidades e Laboratórios de tecnologia eram a casa mão para a experimentação synth e computador música fait that era cedo

1960. O alvorecer da Era de Moog

A logística e complexidade de compor e mesmo tendo acesso ao que eram, até então, sintetizadores hostis músico, levou a uma procura de instrumentos jogáveis ​​mais móveis. Um dos primeiros a responder, eo mais definitivamente bem-sucedido, foi Robert Moog (1934-2005). Sua synth jogável empregado do teclado de piano em estilo familiar.

cabo plug-in tipo de synth modular ‘volumosos telefônicas e operadoras de Moog Não era um a ser transportado e configurado com qualquer quantidade de facilidade ou a velocidade! Ano propósito que recebeu impulso enorme em popularidade com o sucesso de Walter Carlos, como mencionado anteriormente, em 1968. Sua LP (Long Player) registro bestseller “Switched-On Bach” foi sem precedentes, porque foi a primeira vez que um álbum totalmente Apareceu música sintetizada, ao contrário de peças sonoros experimentais.

O álbum foi uma performance de música clássica complexo com vários multi-faixas e overdubs necessários, conforme o sintetizador monofônico era somente! Carlos aussi criado o placar eletrônico para “Laranja Mecânica”, filme de 1972 perturbador futurista de Stanley Kubrick.

A partir deste ponto, o sintetizador Moog é prevalente foram número de final de 1960 álbuns contemporâneos. Em 1967, o Monkees “Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd.” Commercial est devenu o primeiro lançamento do álbum pop para caracterizar o Moog Modular. Na verdade, o cantor / baterista Mickey Dolenz você adquiriu uma das primeiras unidades vendidas.

Não era até o início dos anos 1970, no entanto, quando o primeiro Minimoog parecia que interesse gravement Desenvolvido Entre músicos. Esta unidade móvel com um som pouco de gordura teve um impacto significativo Tornar-se parte do kit música ao vivo para muitos músicos de turismo para os próximos anos. Outras empresas como circuitos seqüenciais, Roland e sintetizadores Korg começou a produzir os seus próprios, dar à luz a uma subcultura musical.

Não posso fechar o capítulo sobre a década de 1960, no entanto, sem referência à Mellotron. Este instrumento eletrônico-mecânico é muitas vezes visto como o precursor primitivo para o amostrador digital moderno.

Desenvolvido no início de 1960, a Grã-Bretanha e com base no Chamberlin (um instrumento pesado US-concebido a partir da década anterior), o teclado Mellotron desencadeado conteúdo fitas pré-gravadas, cada tecla correspondente à classificação equivalente e afinação do instrumento acústico pré-carregado.

O Mellotron é lendária para a utilização das TIC em 1966 dos Beatles música ‘Strawberry Fields Forever’. Uma flauta tap-banco é usado na introdução do assombro Interpretado por Paul McCartney.

do instrumento popularidade floresceu e foi usado ele Muitas gravações da época, como o imenso sucesso Moody Blues épico “Noites no cetim branco ‘. A década de 1970 viu-adopté por mais e mais bandas de rock progressivo. .. Pioneiros eletrônicos Tangerine Dream destaque-lo em seus primeiros álbuns

Com o tempo e mais Principais avanços na tecnologia de microchip, porém, este instrumento encantador est devenu uma relíquia das TIC période

1970: O nascimento de bandas eletrônicas Vintage

Os álbuns de fluidos precoces de Tangerine Dream como “Phaedra” de 1974 eo trabalho de Brian Eno com a Sua “música ambiente” auto-cunhado e álbum “Heroes” de David Bowie, further interesse drew no sintetizador De Ambos os músicos e platéia.

Kraftwerk, quem seminal 1974 álbum “Autobahn” sucesso alcançado comércio internacional, tomou o meio Mesmo further Adicionando precisão, pulsantes batidas e ritmos eletrônicos e melodias de sintetizador sublimes. Seu minimalismo sugerida, um mundo urbano-industrial e informatizado frio. Eles vocoders freqüentemente utilizada e síntese de fala Tais dispositivos têm a Gorgeously robótico ‘Speak and Spell’ emulador de voz, o ser branco ripa tem ajuda de aprendizagem das crianças!

Enquanto inspirado pelos experimentais obras eletrônicas de Stockhausen, como artistas, Kraftwerk Were o primeiro a combinar com sucesso todos os elementos da música eletronicamente gerados e ruído e Produzir ano formato canção facilmente reconhecível. A adição de vocais em muitas de suas canções, tanto em nativa língua deles Alemão e Inglês, Ajudado ganhar em aclamação universal se tornando um dos pioneiros da música contemporânea mais influentes e artistas da metade do século passado.

1.978

do Kraftwerk gem ‘Das Modell’ atingiu o Reino Unido número um local com uma versão reeditada idioma Inglês, “The Model”, em fevereiro de 1982, tornando-se um dos primeiros maiores êxitos Electro!

Ironicamente, porém, demorou um Esse movimento não teve associação com EM (Electronic Music) para facilitar itos mais ampla aceitação mainstream. O movimento meados de 1970 punk, principalmente na Grã-Bretanha, trouxe com ele uma única atitude nova: uma que deu prioridade à auto-expressão de destreza e desempenho Ao invés de formação formal, tal como consagrado por músicos de rock progressivo contemporâneo. A agressão inicial do punk metálico Transformado em uma forma menos abrasivo Durante o final dos anos 1970: New Wave. Isso, misturado com a acessibilidade comparativa de muitos pequenos, fácil de usar sintetizadores, levou à explosão synth negociação do início dos anos 1980.

Uma nova geração de jovens começou a explorar o potencial destes instrumentos e começou a criar paisagens sonoras que desafiam a visão predominante da música contemporânea. Sobre isso não aconteceu sem cicatrizes de batalha embora. O estabelecimento da indústria da música, especialmente nos meios de comunicação TIC, muitas vezes ridicularizado esta nova forma de expressão e apresentação e estava ansioso para consignar-lo para o caixote do lixo da história

1980. A primeira era dourada da música eletrônica para as Missas

Gary Numan est devenu sem dúvida o primeiro megastar synth negociação com o 1979 “Tubeway Army” hit “Are Friends Electric? ‘. O elemento Sci-Fi não está muito longe, mais uma vez. Algumas das imagens é retirado do clássico de ficção científica, “Do Androids Dream of Electric Sheep?”. O filme 1982 hit “Blade Runner” foi baseado no livro aussi Sami.

Embora ‘Are Friends Electric?’ featured tambor convencional e apoio baixo, ito utilização dominante de Polymoogs Dá a canção seu som muito distinto. A gravação foi a primeira versão a contabilidade de synth alcançar o número um status na parada do Reino Unido durante os anos pós-punk e inaugurar um novo gênero ajudou. Já não era música eletrônica e / ou sintetizador expedido para a margem mainstream. Emocionante!

um maior desenvolvimento em acessível tecnologia electrónicos colocados eletrônico totalmente nas mãos de jovens criadores e começou a transformar estúdios profissionais.

Projetado na Austrália, em 1978, o Fairlight Sampler CMI est devenu o primeiro comercialmente disponível digitais objetivo itos instrumento de amostragem custo proibitivo polifônico Unicamente viu em uso pelos gostos de Trevor Horn, Stevie Wonder e Peter Gabriel. Em meados de década, no entanto, os instrumentos mais pequenos, mais baratos entrou no mercado, como o onipresente Akai e Emulator Samplers Freqüentemente usado por músicos ao vivo para replicar Seus sons gravados em estúdio. O Sampler revolucionou a geração de música a partir deste local.

na maioria dos mercados principais, com excepção qualificado de os EUA, o início dos anos 1980 Comercialmente foi atraído para artistas electro-influenciado. Esta foi uma época excitante para muitos de nós, eu incluído. Eu sei que eu não estava sozinho em closeting a guitarra distorcida e amp e imergindo-me em um novo universo de frase musical -. Um mundo de som do abstrato e não-tradicional

Em casa, australianos bandas synth baseado na Vida Real (“Send Me An Angel ‘,” Heartland “álbum), Icehouse (‘ Hey Little Girl ‘) e Pseudo Echo (‘ Funky Town ‘) começaram a traçar Internacionalmente, e equipamentos eletrônicos mais experimentais como Severed Heads e SPK aussi Desenvolvido seguidores de culto no exterior.

Goal em meados de década, a primeira onda eletrônica mundial perdeu força em meio a resistência TIC fomentada por uma mídia de música da velha escola implacável. A maioria dos artistas que começou a década Predominantemente electro-baseado Ou ouro se desintegrou Altamente híbrido Seu som com instrumentação de rock tradicional.

Os EUA, o mercado mundial maior em todos os sentidos, permaneceu nas asas conservadores da música para muito da década de 1980. Embora os registros com base em sintetizadores Sobre chegou às paradas americanas, sendo o primeiro 1982 US chart topper branco League do ser humano ‘Você não quer me bebê?’, No seu conjunto Era para ser mais alguns anos antes do mainstream americano Abraçado música eletrônica, qui no ponto em que se consolidou como um gênero dominante para músicos e público, em todo o mundo.

1988 foi uma espécie de divisor de águas para a música eletrônica em os EUA. Muitas vezes criticado na imprensa em seus primeiros anos, Depeche Mode Foi sem querer Isso – e principalmente inconsciente – liderou este novo assalto. A partir status cult nos EUA durante grande parte da década, o seu novo jogo de alta rotação é agora chamado What Was rádio Modern Rock resultou em desempenho de mega estádio. Um ato Electro jogando ingressos esgotaram Não era tarifa comum nos EUA naquela época!

Em 1990 fã pandemônio em Nova York para cumprimentar os membros em um recorde de loja foi notícia TV central, e sua “Violator” album vendendo mais que Madonna e Príncipe no ano Sami feito ’em um nome familiar dos Estados Unidos. ! A música eletrônica estava aqui para ficar, sem dúvida

1990 Onward: A Segunda Era de Ouro da Electronic Music for the Masses

TIC Antes de nossa ‘estrela da música’ garantidos segurar o mainstream norte-americano, e enquanto ela estava perdendo terreno em outros lugares negociação Durante grande parte meados de 1980, Detroit e Chicago est devenu laboratórios modesto para uma explosão de qui Música Eletrônica Será que ver grande parte da década de 1990 e em diante. Digite Techno e House.

Detroit na década de 1980, o pós-fordismo US wasteland industrial, produziu o Influenciado Europeia mais difícil Techno. No início dos anos 80 meados de, Detroiter Juan Atkins, um ventilador Kraftwerk obsessivo, juntamente com Derrick May e Kevin Saunderson – utilizando equipamentos Muitas vezes emprestado primitiva – formaram a espinha dorsal do que se tornaria, em conjunto com a casa, a música predominante clube-cultivo Ao longo o mundo. Artistas que informaram desenvolvimento Techno cedo foram fortemente referenciada pioneiros europeus, como o já mencionado Kraftwerk, bem como Yello e British Electro age os gostos de Depeche Mode, Human League, Heaven 17, New Order e Cabaret Voltaire.

Chicago , uma unidade de quatro horas de distância, simultaneamente assistiu ao desenvolvimento de House. O nome é derivado Geralmente considerado para ser de “The Warehouse”, onde vários DJ-produtores destacados neste novo amálgama de música. Casa tem suas raízes na década de 1970 e discoteca, Techno Ao contrário, geralmente tem alguma forma de voz. Eu acho que o trabalho de Giorgio Moroder, em meados dos anos 70 com Donna Summer, especialmente a música ‘I Feel Love’, é fundamental na compreensão do 70 de influências disco em cima do florescente Chicago House.

Uma miríade de variantes e sub-gêneros-desenvolveram uma vez que – atravessar o Atlântico, reformulado e novamente – mas em muitos aspectos, o sucesso popular desses dois núcleos formam a paisagem eletrônicos revitalizada inteiro e sua cultura social associada. Techno e house Profundamente Ajudou a desafiar mainstream e Rock alternativo, como a escolha preferida para ouvir nova geração: a geração que cresceu com a música eletrônica e como tem aceita Given. Para eles, é a música que tem sido sempre.

A história da música eletrônica continuou a ser escrita como avanços tecnológicos e expectativas de Onde a música pode ir contínua para empurrá-lo para frente das pessoas, aumento itos vocabulário e léxico.

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